Bei Alltagsverrichtungen ein Durchschnittsjedermann, leicht zu übersehen in der Warteschlange an der Supermarktkasse, im Frühstücksdiner an der Ecke. Aber wehe, wenn er sich seine Gitarre greift! Dann wird das Instrument zu "more than an extension of his body, it’s an extension of his imagination", wie das amerikanische Webmagazin Consequence Of Sound anlässlich des Albumzweitlings "Primrose Green" schwärmte. Sechs Jahre später legt "Curse In Fable" die Vermutung nahe, dass seine Imaginationsgabe grenzenlos sein muss. Die Gitarre wie gewöhnlich streng in den Dienst der Songs gestellt.

Unterliegt keinerlei Verschreibungspflicht, das Album ein gewissermaßen freiverkäuflicher Pflanzenextrakt. Zu Risiken und Nebenwirkungen ist nichts bekannt. Mitgeteilt wurde lediglich, dass die Bereitstellung eines Seelenbalsams beabsichtigt war, gedacht für geschundene Menschenwesen, denen die Fähigkeit zu träumen abhandenkam. Weshalb ausgerechnet Valerie June als Heilmittelbeauftragte infrage kommt, liegt auf der Hand. Mit ihrem orakelhaften Gesang und der beeindruckenden Dreadlockfrisur rückt sie sich in die Näher einer afrikanischen Schamanin.

"I don’t give a fuck about the past, our glory days gone by", grantelt eine angejahrte Männerstimme zu Beginn des Eröffnungssongs "The Turning Of Our Bones". Sobald sich Dunkelheit über die Tage legt, sprich vom Leben inzwischen weniger bleibt als bereits verstrichen, klar, dann wird die ruhmreiche Vergangenheit schnurzegal. Was zählt ist nur noch, wie sich der mickrige Rest halbwegs um die Runden bringen lässt. Selten wurde die Vergänglichkeit der menschlichen Erdenexistenz eindringlicher geschildert als von den schottischen Arab Strap auf ihrem ersten Studioalbum nach sechzehnjähriger Kreativpause.

Der britischen Tageszeitung The Guardian gilt Jane Weaver als "mind-expanding delight". Wer wollte es verdenken! Die Tochter einer Büroangestellten und eines Chemiefacharbeiters aus dem nordenglischen Widnes, gestartet im Dunstkreis des Manchesteraner Schallplattenlabels Factory Records, ist ständig um die Erweiterung auch des eigenen Bewusstseinshorizonts bemüht. Durch unkonventionelle Inspirationsquellen, aus denen sie schöpft. Durch überraschende Gastmitstreiter, die sie einzubinden versteht. Durch ein psychedelisch eingefärbtes, vorläufiges Gesamtwerk, das keinen Stillstand kennt.

Ob die schattenhafte Kreatur auf dem Frontcover ein Abbild dessen ist, was sie sich vorstellten, als sie sich bei Bandgründung 1995 im schottischen Glasgow nach einem boshaften Fabelwesen aus der chinesischen Mythologie benannten? Genauso gut könnte man fragen, weshalb der britische Comedian Robin Ince die Bandbiographie zum aktuellen Pressematerial verfasst. Eine schlüssige Antwort gibt es weder auf das eine noch das andere. Die Suche nach dem tieferen Sinn generell zwecklos bei Mogwai. Umso verblüffender, wie ambitioniert die musikalische Ausformung ihrer notorischen Unambitioniertheit geschieht.

Offizielle Pressefotos zum Album zeigen eine junge Frau von fragiler Statur, die im Albumtitel kundtut, dass sie bestens vertraut ist mit der Nacht. Was sich umgehend als bezogen auf die Dunkelheit jener Tageszeit erschließt, wenn die Künstlerin zu karger Instrumentierung Textzeilen vorträgt wie "I'm a white coat mistake waiting in the drugstore window"; siehe "Third Floor Window". Der ideale Soundtrack zu Lockdowns und Social Distancing der Coronapandemie? Ein sinnvoller Verwendungszweck, durchaus. Der gebürtigen Amerikanerin geht es aber noch um etwas anderes.

Geboren im kanadischen Quebec als Tochter haitianischer Einwanderer, begeistert sich Dominique Fils-Aimé in ihrer Jugend für Fotografie und Malerei, studiert Public Relations und Modedesign, startet ihr Berufsleben zunächst aber als Coach für Pflegepersonal, das autistische Kinder betreut. Sie erleidet einen Burnout, therapiert sich selbst mit Hilfe der Musik, wird für die kanadische Version der Castingshow The Voice entdeckt. Und überrascht dann mit einer Albumtrilogie zur schwarzen Populärmusikgeschichte Nordamerikas. "Three Little Words" ist Tonträger Nummer drei.

Seinerzeit der Albumtitel "1372 Overton Park", dann das Frontcover zu "Women & Work", fotografiert vor dem Eingang zum Arcade Café. Oder jetzt die Skyline im Hintergrund des offiziellen Pressebildmaterials zu "When You Found Me". Mehr Hinweis geht nicht, dass es sich hier um eine Band handelt, die in Memphis, Tennessee beheimatet ist und sich offen zu ihrer Herkunft bekennt. Wer auf breitbeinigen Southern Rock spekuliert, sollte sich allerdings schleunigst nach anderen Buddelkastenbuddies umtun. Keine verdammten Machos hier, Lucero sind und bleiben anders.

Das westafrikanische Ghana verzeichnet eine signifikante Binnenmigration in die urbanen Ballungszentren, angetrieben von der zumeist illusorischen Hoffnung auf bessere Lebensverhältnisse. Jene übergroße Mehrheit, der das Schicksal weniger wohlgesonnen ist, hatte Stevo Atambire im Sinn, als er seine Band Alostmen taufte. Er selbst zählt sich dazu. "We are lost in the street, the forgotten people", zitiert ihn sein Schallplattenlabel im Presseinfo. "Kologo" ist das Debütalbum seiner Formation, benannt nach einem zweisaitigen, dem Banjo verwandten Lauteninstrument aus dem ländlichen Raum.

Wohl dem, der Vorsorge trifft für schlechte Zeiten. Gerade Musiker bringen beste Voraussetzungen mit, sofern sie ihrer Bestimmung folgen und spielen, spielen, spielen. James Yorkston darf als mustergültiges Beispiel gelten. Jetzt, in Zeiten von Corona, da Studiotermine in Bandbesetzung schwierig und Reiseaktivitäten nahezu unmöglich geworden sind, kann der gebürtige Schotte ein herrliches Bandalbum vorlegen, eingespielt mit schwedischen Musikerfreunden. "The Wide, Wide River" entstand 2019 direkt im Anschluss an seine Europatournee zum Albumvorgänger "The Road To The Harmonium" in Stockholm.

Eine halbe Ewigkeit her, dass Paul Simon mit "Graceland" Stilformen des urbanen Südafrika aufgriff, bei der Albumeinspielung vor Ort einheimische Vertreter des jeweiligen Genres hinzuzog und massive Kritik einstecken musste, weil es unter aufgeklärten Rockartisten des Westens seinerzeit als ausgemacht galt, wegen der Apartheid keinen Fuß in das Land zu setzen. Inzwischen hat sich die Weltgeschichte weitergedreht und mit ihr die Populärmusikuhren. Herausragend, sogar wegweisend für das Südafrika der Gegenwart, ist ein Quartett aus Soweto namens Urban Village mit seinem Debütalbum "Udondolo".

Ausgerechnet eines der extravagantesten wie herzallerliebsten angloamerikanischen Songalben der Gegenwart handelt vom Tod! Zu einem Zeitpunkt, da die Menschheit sich einer schlimmen Viruspandemie erwehren muss! Aber Tunng wären nicht die hochgelobten britischen Folktronikas, scheuten sie das Risiko. Profund vorbereitet gewesen sind sie jedenfalls. Dem Album ging eine intensive Beschäftigung mit der Thematik voraus. Interviews mit Experten wurden geführt, ein begleitender Debattenpodcast produziert. Vollendet war "Dead Club", als sich im Herbst 2020 eine neue Infektionswelle auftürmte.

Gegenüber dem Onlinemagazin Blues & Soul äußerte Liam Bailey 2014 die Vermutung, dass es karrieretechnisch wohl zu seinem Vorteil sei, ließe er sich, wie es damals vorkam, zur männlichen Variante von Amy Winehouse ausrufen. Zumal die britische Landsmännin ihm sein Debütalbum "Definitely Now" ermöglicht hatte. Der Tonträger selbst verriet eher ein dringendes Abgrenzungsbedürfnis. Die erste Hälfte bestückt mit Rock der derben Sorte, die zweite mit einem Soul, der dem seiner Gönnerin höchstens vage ähnelte. "Ekundayo", meistenteils im Reggae verwurzelt, beschreitet erst recht eigene Wege.

Was Populärmusikgourmets mit Vorliebe fürs Zeitgenössische ein Lächeln ins Gesicht zaubert, wissen sie beim Berliner Schallplattenlabel Staatsakt genau. Dort unter Vertrag neben Isolation Berlin, International Music, Christiane Rösinger oder Jens Friebe eine ganze Reihe herausragender Bands und Einzelkünstler. Labelgründer Maurice Summen veröffentlicht mit eigenen Formationen wie Die Türen selbst auf Staatsakt. Zudem gönnt er sich das Sublabel Fun In The Church für "Outernational Music For Interplanetary People", wie es im Presseinfo heißt. "Preachers Tape" bietet einen faszinierenden Labelquerschnitt.

Der New York Times nannte Rob Mazurek kürzlich einen Schlüsselmoment seiner Musiksozialisation. Es war ein Konzertauftritt von Sun Ra, 1981, er damals gerade sechzehn geworden. Die Intensität der Musik und das organische Zusammenwirken des Begleitensembles seien überwältigend gewesen, schwärmt er noch vier Jahrzehnte später. "I was exhilarated, terrified and surprised. I thought I’d heard a few things, but nothing prepared me for that. I remember thinking to myself: 'That’s what I want to do.'" Nun endlich schließt sich der Kreis, "Dimensional Stardust" ist eine längst überfällige Referenz an das Jugendidol.

Verschwurbelte Weltraumphantasien und die Begeisterung für altägyptische Pharaonenmythologie ließen Sun Ra ein Gedankenrefugium erschaffen, das es ihm als Amerikaner schwarzer Hautfarbe erlaubte, die Rassenschranken des Alltags mühelos hinter sich zu lassen und obendrein einen Jazz hervorzubringen, der jegliche Vorstellungskraft sprengt. Space is the place, lautete sein Künstlermantra. 1993 starb der Maestro neunundsiebzigjährig an den Spätfolgen eines Schlaganfalls. Seine Begleitformation, das Sun Ra Arkestra, veröffentlicht seither sporadisch eigene Schallplatteneinspielungen.