Seit reichlich anderthalb Jahren ein unermüdliches Abklopfen aktueller Albumveröffentlichungen nach Hinweisen auf Corona, jeweils mit demselben Ergebnis zumeist. Nämlich dass Hinweise, sofern enthalten, Zufall sind. Entweder weil die Songs gerade noch vor Ausbruch der Pandemie fertiggestellt wurden oder sich realisiert finden im Rahmen eines wegen pandemiebedingter Unmöglichkeit von Konzertauftritten aus der Schublade geholten Projekts zum Zeittotschlagen. Ganz anders Popa Chubby, das New Yorker Bluesschwergewicht entschied sich bewusst für die Rolle eines aufmerksamen Chronisten.

Gestartet als halbwüchsiger Steppke im Gospelchor und fortan auf eine echte Musikerkarriere gehofft, lange ohne befriedigendes Ergebnis. Aber wie heißt es? Gottes Wege sind unergründlich. Robert Finley jedenfalls, Spross der bibelgeschulten amerikanischen Südstaaten, wollte sein Schicksal nie ernsthaft in Zweifel ziehen. Glaubt sogar, seine nahezu vollständige Erblindung sei der Preis, dass er mit Anfang sechzig doch noch entdeckt wurde. Sein eifrigster Unterstützer fand sich in Dan Auerbach von den Black Keys, der seinerseits überzeugt ist, dem "greatest soul singer" begegnet zu sein, den er jemals für möglich hielt.

Das gab es immer, auch schon vor den feministischen Emanzipationsbestrebungen der Gegenwart, dass Frauen weibliche Rollenklischees entschieden ablehnen und selbstbestimmt handeln. Wenn einem stellvertretend für die Rockwelt nicht sofort Liz Phair als prominente Vorreiterin einfällt, dann schlichtweg deshalb, weil sie vor knapp zehn Jahren aus der Öffentlichkeit verschwand. Sie und ihr Künstler-Ich waren einander fremd geworden, lieber wollte sie Mutter sein und ihren Sohn großziehen, lässt die gebürtige Amerikanerin im Presseinfo des Schallplattenlabels jetzt zum neuen Album "Soberish" ausrichten.

Eine denkbar ungeeignete Veröffentlichung, wenn jemand überhaupt noch nichts von Can in seinen Tonträgerbeständen hat, sich aber gern ausstatten möchte. Sollte das der Fall sein, besser mit "Anthology" oder "The Singles" beginnen und dann "Monster Movie", "Soundtracks", "Tago Mago", "Ege Bamyasi", "Future Days" sowie "Soon Over Babaluma" nachlegen. Wer hingegen die Klassiker bereits sein Eigen nennt, womöglich sogar den gesamten Rest besitzt, der von den westdeutschen Krautrockern bislang veröffentlicht wurde, dürfte bei "Live In Stuttgart 1975" auf seine Kosten kommen.

Es beginnt verhalten mit einer afrikanischen Mbira, dazu Kontrabass und Cello gezupft. Bis der Kontrabass das kraftvolle Eröffnungsriff zu "Prayer For Amerikkka Pt. 1&2" anstimmt, Jaimie Branch ihre Trompete absetzt und erklärt, dass das jetzt nicht nur ein Song über die Vereinigten Staaten ist, sondern "about a whole lotta places 'cause it's not just America where shit's fucked up. And it's not always time to be neutral, do you know what I mean?" Das Publikum versteht sofort. Die Zeiten sind nicht danach sich rauszuhalten, jeder ist gefragt. Und dann geht es zur Sache, alles oder nichts, fly or die.

Ungewöhnliche Besetzung, nichts weniger als das! Gitarre und Daumenklavier, beide elektrisch verstärkt, treffen auf traditionelle Trommeln, elektronische Schlagzeugmaschinen, Xylophon und die Lokombe, eine mehrsaitige, afrikanische Bogenlaute. Beheimatet in Kinshasa, Hauptstadt der Demokratischen Republik Kongo, konnten sich die Kasai Allstars mit vier Beiträgen zur Compilation "Congotronics 2" erstmals in der westlichen Hemisphäre Gehör verschaffen. "Black Ants Always Fly Together, One Bangle Makes No Sound" ist Vollelängealbum Nummer vier.

Nie um ein heiteres Gitarrenmotiv verlegen, selbst wenn Martin Phillipps, Sänger und Hauptsongschreiber der neuseeländischen The Chills, gerade mit Depressionen oder einer Drogensucht und deren Spätfolgen ringt. Ähnlich gegensätzlich die Songtexte, die inhaltlich meist im scharfen Kontrast zur charmanten Ohrwurmmelodik stehen. "Scatterbrain", das siebte Studioalbum seit Bandgründung 1980 in Dunedin, variiert die Grundorientierung situationsbezogen. Zum Zeitpunkt der Albumveröffentlichung konnten Verschwörungstheoretiker und Coronaleugner auch in Neuseeland beachtlichen Zulauf verbuchen.

Herzallerliebst damals in "Cleaning Windows" das Bekenntnis zu seiner Schwärmerei für Leadbelly, Blind Lemon Jefferson, Muddy Waters, Jack Kerouac und Zen Buddhismus. Sofern nicht selbst in ausgedehnte Jazzmeditationen vertieft, vergewissert sich Van Morrison von Zeit zu Zeit seiner schwarzen Blueswurzeln, seit Mitte der neunziger Jahre sogar immer öfter. Mit sagenhaften achtundzwanzig Songs, ist "Latest Records Project: Volume 1" die bislang intensivste Blueswurzelbehandlung und an Facettenreichtum kaum zu überbieten. Ein wunderbares Album! Wenn bloß die Songtexte nicht wären.

Freie Improvisation und trotzdem das Gegenteil von anstrengend? Carlos Niño weiß, wie das geht. Laut seinem Wikipediaeintrag ist der gebürtige Kalifornier "music producer, percussionist, performer, arranger, composer, musician, programmer, radio host, DJ, music consultant, poet, and event organizer". Allem voran aber, vermerkt das Presseinfo des Schallplattenlabels, sei er ein "Communicator". Daran wird es liegen. Kein entfesselter Individualismus wie bei den Freejazzern auf "More Energy Fields, Current", keinerlei Selfiegehabe. Gemeinschaftssinn ist angesagt, einer, der das Publikum einbezieht.

Weltmusik, eine Stilkategorie, die ausgefüllt sein will. Crammed Discs sind ein Schallplattenlabel, das der Herausforderung zweifellos gewachsen ist, nicht unwesentlich begünstigt durch den Firmensitz Brüssel. Multikulturell geprägt die belgische Millionenmetropole und Hauptstadt eines Landes, um einiges zu klein als dass sich chauvinistisches Gehabe breitmachen könnte. Anlässlich des vierzigsten Labeljubiläums gibt es ausgewählte aktuelle Veröffentlichungen sowie Neuauflagen aus dem Backkatalog. Den Anfang macht die erste Ausgabe der Compilationreihe "Made To Measure", ursprünglich 1984 erschienen.

Ohne sein Künstlerpseudonym Bonnie 'Prince' Billy verlässt Will Oldham selten das Haus. Zu Beginn von "Superwolves" in "Make Worry For Me" eine weitere, diesmal temporäre Inkarnation in Gestalt der Wolfskreaturen aus dem Albumtitel. Die Textstelle "I got monsters inside me that must be born/Let me shut up my mouth now and blow this horn" markiert den Moment, wo der Zuhörerschaft gewahr wird, wer sich wirklich in Großmutters Bettchen verbirgt. Formvollendet illustriert die Passage durch Matt Sweeneys elektrische Gitarre.

Nur zu gern würde Tom Jones seine Vergangenheit als Schlagerschnulzensänger und Frauenschwarm hinter sich lassen, bemüht ist er schon länger. Wirklich gelingen wird es erst jetzt mit "Surrounded By Time". Kein nächstes "It's Not Unusual" weit und breit, kein "She's A Lady", nicht einmal ein "Kiss", "Sex Bomb" oder "Burning Down The House". Stattdessen Songs auf seinem jüngsten Album, die ungeheuer modern, ungeheuer individuell wirken. Eine bemerkenswerte Metamorphose, die dem Sohn einer Bergarbeiterfamilie aus dem Walisischen Pontypridd mit seinen achtzig Lebenslenzen gelingt.

Bei Alltagsverrichtungen ein Durchschnittsjedermann, leicht zu übersehen in der Warteschlange an der Supermarktkasse, im Frühstücksdiner an der Ecke. Aber wehe, wenn er sich seine Gitarre greift! Dann wird das Instrument zu "more than an extension of his body, it’s an extension of his imagination", wie das amerikanische Webmagazin Consequence Of Sound anlässlich des Albumzweitlings "Primrose Green" schwärmte. Sechs Jahre später legt "Curse In Fable" die Vermutung nahe, dass seine Imaginationsgabe grenzenlos sein muss. Die Gitarre wie gewöhnlich streng in den Dienst der Songs gestellt.

Unterliegt keinerlei Verschreibungspflicht, das Album ein gewissermaßen freiverkäuflicher Pflanzenextrakt. Zu Risiken und Nebenwirkungen ist nichts bekannt. Mitgeteilt wurde lediglich, dass die Bereitstellung eines Seelenbalsams beabsichtigt war, gedacht für geschundene Menschenwesen, denen die Fähigkeit zu träumen abhandenkam. Weshalb ausgerechnet Valerie June als Heilmittelbeauftragte infrage kommt, liegt auf der Hand. Mit ihrem orakelhaften Gesang und der beeindruckenden Dreadlockfrisur rückt sie sich in die Näher einer afrikanischen Schamanin.

"I don’t give a fuck about the past, our glory days gone by", grantelt eine angejahrte Männerstimme zu Beginn des Eröffnungssongs "The Turning Of Our Bones". Sobald sich Dunkelheit über die Tage legt, sprich vom Leben inzwischen weniger bleibt als bereits verstrichen, klar, dann wird die ruhmreiche Vergangenheit schnurzegal. Was zählt ist nur noch, wie sich der mickrige Rest halbwegs um die Runden bringen lässt. Selten wurde die Vergänglichkeit der menschlichen Erdenexistenz eindringlicher geschildert als von den schottischen Arab Strap auf ihrem ersten Studioalbum nach sechzehnjähriger Kreativpause.

Der britischen Tageszeitung The Guardian gilt Jane Weaver als "mind-expanding delight". Wer wollte es verdenken! Die Tochter einer Büroangestellten und eines Chemiefacharbeiters aus dem nordenglischen Widnes, gestartet im Dunstkreis des Manchesteraner Schallplattenlabels Factory Records, ist ständig um die Erweiterung auch des eigenen Bewusstseinshorizonts bemüht. Durch unkonventionelle Inspirationsquellen, aus denen sie schöpft. Durch überraschende Gastmitstreiter, die sie einzubinden versteht. Durch ein psychedelisch eingefärbtes, vorläufiges Gesamtwerk, das keinen Stillstand kennt.