Populärmusik mit offenkundiger Nähe zur zeitgenössischen Klassik. Vorreiter im Jazz sind John Coltrane und Eric Dolphy gewesen, im Rock Frank Zappa, Soft Machine oder Henry Cow, die Band von Fred Frith. Aquaserge stehen in derselben Tradition. "The Possibility Of A New Work For Aquaserge" ist das sechste Album des französischen, 2005 in Toulouse gegründeten Quintetts. Die Stücke, teils Fremdkompositionen, teils Eigenschöpfungen, künden von einem Höchstmaß an Kennerschaft und Können.

Ein Album, das der Coronamisere entspringt. Reichliche anderthalb Jahre reines Wunschdenken. Auf entsprechende Nachfrage bei den Künstlern lautete die obligatorische Antwort, ach was, die Songs sind geschrieben gewesen, bevor die meisten von uns wussten, was Corona überhaupt ist. Diesmal liegt der Fall anders, diesmal gibt es ein wahrhaftiges Coronaalbum zu vermelden. "Ookii Gekkou" ging aus einer Lockdownklausur von Cathy Lucas und Phil M.F.U. hervor. Die Sängerin, auch Gründerin der Vanishing Twin und ihr Bandkollege verknüpfen den einen Ausnahmezustand mit einem anderen.

Imposante Erscheinung der Südstaatenamerikaner, mit seinem mehr als schulterlangen Haupthaar, seinem Zottelbart. Manch einem wohl auch etwas unheimlich, weshalb er sich fürs Frontcover seines Debütalbums "Big Inner" vorsichtshalber ganz in Unschuldsweiß ablichten ließ, vor weißem Hintergrund, umgeben von kuriosen Objekten und zwei Porträtbildern. Das eine zeigt King Tubby, das andere Malcolm MacRebennack alias Dr. John und überaus passend gewählt die beiden, weil Weltenverschmelzer, wie Matthew E. White auch einer ist. Als retrofuturistisch bezeichnet sein Schallplattenlabel seine Songs.

Vintage Style heißt das wohl, wenn jemand wie Pokey LaFarge alte amerikanische Roots Music aufgreift, aber eben nicht im Sinne musealer Geschichtsbewahrung, sondern als Ausdruck eigener Coolness. Unter der wachsenden Schar seiner Sympathisanten Jack White, der sich nicht zu schade war, das kurz "Pokey LaFarge" betitelte sechste Album des heute Achtunddreißigjährigen auf seinem Schallplattenlabel Third Man Records zu veröffentlichen. Inzwischen weiß der Künstler, dass die betagten Uraltspielweisen auch ein passables Vehikel für eigene Befindlichkeiten der Gegenwart abgeben.

Die Tage werden kürzer, die Nächte kühler, die Laubbäume bekommen Färbung. Bedeutet was? Richtig, der Herbst ist angebrochen und nicht mehr lange, dann folgt der Winter. Ob es Schnee geben wird, sorgt in mitteleuropäischen Breiten seit längerem für heftige Spekulationen. Nur eines steht fest, wie jedes Jahr geht es mit Riesenschritten auf Weihnachten zu. Das Frontcover des jüngsten Studioalbums der Felice Brother nimmt Bezug auf den ewigen Kreislauf der Jahreszeiten und Festivitäten. Allerdings kaum im Sinne der Supermarktketten, die bereits im Spätsommer Schokoladenweihnachtsmänner anbieten.

Mindestens so selten wie Yetisichtungen im Himalaya! Eine Jazzbesetzung aus Gitarre, Bass, Schlagzeug plus Hammond Orgel beziehungsweise Vibraphone, und der Bandchef hat sich auf Pedal Steel Guitar verlegt! Keine alltägliche Konstellation, wirklich nicht, denn zuhause ist das Instrument eigentlich in der Country Music und wird darüber hinaus höchstens als Farbtupfer oder experimentell genutzt. Beim The Brudy Ensemble kommt die Pedal Steel um ihrer selbst willen zum Einsatz. "Busy At The Bar" ist das Debütalbum des Hannoveraner Sextetts um Karsten Brudy und hoffentlich nicht das letzte.

Alte Liebe vergeht, begleitet von Kummer und Schmerz. Neue Liebe entbrennt und beschert ungeahnte Glücksgefühle. Ein Alltagsphänomen mehr oder weniger, weit verbreitet. Und dennoch, wer betroffen ist, entwickelt augenblicklich ein dringendes Mitteilungsbedürfnis. Sänger und Songschreiber genießen das Privileg, sich in solchen Momenten in breitester Öffentlichkeit mit ihrem Befinden auseinandersetzen zu dürfen. Martha Wainwright macht ausgiebig Gebrauch davon. "Love Will Be Reborn", ihr erstes Album nach fünfjähriger Albumpause, womöglich eine lebensrettende Maßnahme sogar.

Ein Song des Albums heißt "Vaquero" und ist gewidmet dem Filmdrehbuchschreiber Bill Wittliff, der überraschend 2019 einem Herzinfarkt erlag. Die Lokalpresse würdigte den Verstorbenen wegen seiner Überzeugung, dass es möglich sei, auch von seinem Heimatstandort Texas aus im Filmgeschäft mitzumischen. Er selbst erbrachte den Beweis, unter anderem stammt das Skript zu "The Perfect Storm" von ihm. James McMurtry sind vergleichbare Blockbustererfolge noch nicht vergönnt gewesen, leider. Hochverdient wäre es, sein Rootsrock, gepriesen als der literarisch anspruchsvollste weit und breit.

Sich als Band ausgeben und das kreative Pensum meistenteils im Alleingang bewältigen? Gewählt ein Bandname, weil selbiger "doesn't offend the songs"? Das lässt auf jemanden schließen, der sich mitteilen möchte, selbst jedoch ungern im Rampenlicht steht. Der sich unter künstlerischen Gesichtspunkten die Optionen offen hält. Conor O'Brien, gebürtiger Ire mit Herkunftsort Dublin und Mastermind hinter den Villagers, kultiviert beides seit Bandgründung 2008. "Fever Dreams", sein opulentestes Album bisher, ein einziges Sowohlalsauch und bestens geeignet als Soundtrack zum aktuellen Zeitgeschehen.

Manche Künstler ziehen es vor, in der Öffentlichkeit durch Verhüllung sichtbar zu werden. Laura Marling und Mike Lindsay ersannen für ihr Duoprojekt eine kuriose Zottelfigur als Mummenschanz, zufällig auf denselben Namen hörend. Der Lump, halb kuscheliger Handfeger, halb furibunder Pfeifenreiniger, war 2018 auf dem Frontcover des Debütalbums in einem rötlichen Farbton abgebildet und turnt jetzt, bunter gestaltet, durch Videoclips zu zwei Songs von "Animal". Schwer abschätzbar, was einem bei einer Begegnung mit der Kreatur in freier Wildbahn blüht! Ähnliches lässt sich über die Band sagen.

Sweet Soul Music, Soundtrack der amerikanischen Bürgerrechtsbewegung der sechziger Jahre, Vorwegnahme eines unter Großteilen der Bevölkerung nach wie vor undenkbaren Miteinanders von Schwarzen und Weißen. I Have A Dream, im Soul war Martin Luther Kings Vision bereits Wirklichkeit geworden, siehe Stax Records in Memphis, siehe Motown in Detroit. Durand Jones & The Indications sind versierte Reanimateure der grandiosen Vergangenheit. Das historische Stilvokabular beherrschen sie perfekt, verschließen sich aber auch nicht der Gegenwart.

Seit reichlich anderthalb Jahren ein unermüdliches Abklopfen aktueller Albumveröffentlichungen nach Hinweisen auf Corona, jeweils mit demselben Ergebnis zumeist. Nämlich dass Hinweise, sofern enthalten, Zufall sind. Entweder weil die Songs gerade noch vor Ausbruch der Pandemie fertiggestellt wurden oder sich realisiert finden im Rahmen eines wegen pandemiebedingter Unmöglichkeit von Konzertauftritten aus der Schublade geholten Projekts zum Zeittotschlagen. Ganz anders Popa Chubby, das New Yorker Bluesschwergewicht entschied sich bewusst für die Rolle eines aufmerksamen Chronisten.

Gestartet als halbwüchsiger Steppke im Gospelchor und fortan auf eine echte Musikerkarriere gehofft, lange ohne befriedigendes Ergebnis. Aber wie heißt es? Gottes Wege sind unergründlich. Robert Finley jedenfalls, Spross der bibelgeschulten amerikanischen Südstaaten, wollte sein Schicksal nie ernsthaft in Zweifel ziehen. Glaubt sogar, seine nahezu vollständige Erblindung sei der Preis, dass er mit Anfang sechzig doch noch entdeckt wurde. Sein eifrigster Unterstützer fand sich in Dan Auerbach von den Black Keys, der seinerseits überzeugt ist, dem "greatest soul singer" begegnet zu sein, den er jemals für möglich hielt.

Das gab es immer, auch schon vor den feministischen Emanzipationsbestrebungen der Gegenwart, dass Frauen weibliche Rollenklischees entschieden ablehnen und selbstbestimmt handeln. Wenn einem stellvertretend für die Rockwelt nicht sofort Liz Phair als prominente Vorreiterin einfällt, dann schlichtweg deshalb, weil sie vor knapp zehn Jahren aus der Öffentlichkeit verschwand. Sie und ihr Künstler-Ich waren einander fremd geworden, lieber wollte sie Mutter sein und ihren Sohn großziehen, lässt die gebürtige Amerikanerin im Presseinfo des Schallplattenlabels jetzt zum neuen Album "Soberish" ausrichten.

Eine denkbar ungeeignete Veröffentlichung, wenn jemand überhaupt noch nichts von Can in seinen Tonträgerbeständen hat, sich aber gern ausstatten möchte. Sollte das der Fall sein, besser mit "Anthology" oder "The Singles" beginnen und dann "Monster Movie", "Soundtracks", "Tago Mago", "Ege Bamyasi", "Future Days" sowie "Soon Over Babaluma" nachlegen. Wer hingegen die Klassiker bereits sein Eigen nennt, womöglich sogar den gesamten Rest besitzt, der von den westdeutschen Krautrockern bislang veröffentlicht wurde, dürfte bei "Live In Stuttgart 1975" auf seine Kosten kommen.

Es beginnt verhalten mit einer afrikanischen Mbira, dazu Kontrabass und Cello gezupft. Bis der Kontrabass das kraftvolle Eröffnungsriff zu "Prayer For Amerikkka Pt. 1&2" anstimmt, Jaimie Branch ihre Trompete absetzt und erklärt, dass das jetzt nicht nur ein Song über die Vereinigten Staaten ist, sondern "about a whole lotta places 'cause it's not just America where shit's fucked up. And it's not always time to be neutral, do you know what I mean?" Das Publikum versteht sofort. Die Zeiten sind nicht danach sich rauszuhalten, jeder ist gefragt. Und dann geht es zur Sache, alles oder nichts, fly or die.